Música Medieval

sábado, 24 de noviembre de 2012

CANTO GREGORIANO

El canto llamado gregoriano, inicialmente canto cristiano es un tipo de canto llano (simple, monódico, sin saltos: movimientos por grados conjuntos y con una música supeditada al texto) utilizado en la liturgia de la Iglesia Católica Romana, aunque en ocasiones es utilizado en un sentido amplio o incluso como sinónimo de canto llano.

Historia

Antifonario con Canto Gregoriano

Deben rastrearse sus orígenes en la práctica musical de la sinagoga judía y en el canto de las primeras comunidades cristianas. La denominación canto gregoriano procede de atribuírsele su recopilación al Papa Gregorio Magno, siendo una evolución del canto romano confrontado al canto galicano. Debe aclararse y entenderse que el canto gregoriano no fue compuesto ni siquiera recopilado por el Papa Gregorio I Magno. Fue a partir del siglo I que empezó a asociarse su nombre a este compendio musical, sobre todo a partir de la biografía de Juan el Diácono

Desde su nacimiento, la música cristiana fue una oración cantada, que debía realizarse no de manera puramente material, sino con devoción o, como lo decía Pablo de Tarso era San Pablo: «Cantando a Dios en vuestro corazón». El texto era pues la razón de ser del canto gregoriano. En realidad el canto del texto se basa en el principio de que, según San Agustín. El canto gregoriano jamás podrá entenderse sin el texto, el cual tiene prelación sobre la melodía y es el que le da sentido a ésta. Por lo tanto, al interpretarlo, los cantores deben haber entendido muy bien el sentido del texto. En consecuencia, se debe evitar cualquier impostación de voz (sin sobresaltos) de tipo operístico en que se intente el lucimiento del intérprete. Del canto gregoriano es de donde proceden los Modo gregorianos, que dan base a la música de Occidente. De ellos vienen los modos mayores y menores, y otros menos conocidos.

Características generales

Las partituras del canto gregoriano están escritas en tetragramas (a partir del trabajo de Guido d'Arezzo).

Tiene un ritmo sometido ante todo al texto latino.

Es una plegaria cantada y la expresión de una religiosidad.
Es un canto monódico (solo existe una línea melódica) y a cappella (carece de acompañamiento), interpretado por voces masculinas. Las voces lo interpretan en forma coral (tanto la Asamblea de fieles como la schola cantorum), en forma solista (el celebrante o presidente de la celebración, o uno de los cantores de la schola cantorum.
Están escritos en latín, exceptuando el Kyrie Eleison, que está en griego.
Todas las piezas gregorianas son siempre modales, y dentro de los modos gregorianos o modos eclesiásticos existen 8 tipos.

Se suele hablar de tres estilos de canto gregoriano, que se clasifican dependiendo de la cantidad de notas diferentes que se cantan por sílaba. Cuando hay 1 nota por sílaba se llama estilo silábico, cuando hay de 6 a más tonos por sílaba se llama melismático y cuando hay alternancia entre canto silábico y melismático se llama canto neumático.

En el canto gregoriano, la forma musical está definida por el contexto litúrgico en donde se interpretan las piezas.

En este tipo de canto, la línea melódica no es muy movible, es decir, no hay grandes saltos en la voz. Por lo regular la línea se mueve por segundas, terceras, cuartas o quintas.
El repertorio gregoriano es anónimo.

Hay varios tipos de canto gregoriano:

Según la forma del canto pueden ser: estilo responsorial (alternancia de un solista con un coro), estilo antifonal (alternancia de dos coros) y estilo directo (sólo hay un coro o un solista)

Según el tratamiento melódico: canto melismático (más de una nota por sílaba), canto silábico (una sola nota por sílaba)y canto neumático (alternancia entre canto melismático y silábico)

Según el tipo de texto: bíblicos(aparecen en la Biblia) y no bíblicos (no aparecen en la Biblia)....

Formas musicales

Partitura de Canto Gregoriano

Las principales expresiones del canto gregoriano son el recitativo litúrgico, la Salmodia, la Santa Misa y el Oficio divino. Los textos conocidos como accentus son entonados por los obispos, sacerdotes, o diáconos principalmente en una sola nota con fórmulas melódicas muy simples en ciertos lugares en cada oración gramática. Los cantos más complejos son cantados por coros o solistas expertos en el canto gregoriano. Existen muchas colecciones de cantos litúrgicos que incluyen: Graduale Romanum, que contiene los cantos Propios y el Ordinario de la Misa; Liber usualis, que contiene los cantos de la forma Extraordinaria de la Misa (Misa Tridentina) y los cantos del Oficio Divino.

Los cantos de la Misa:

Los cantos del Propio de la Misa:

Los propios están constituidos por piezas que se cantan según el tiempo litúrgico o según la fiesta que se celebra. Estos cambian cada domingo, lo opuesto a los cantos del Ordinário, cuyos textos nunca cambian. Los cantos de Intróito, Gradual, Aleluya, Tracto, Secuencia, Ofertorio, y Comunión forman parte del Propio de la Misa, o Proprium Missae en latín.

Introito: canto de entrada para iniciar la celebración

Gradual, aleluya o tracto: después de las lecturas

Secuencias

Ofertorio para acompañar la procesión de las ofrendas

Comunión

Además de estos dos grupos de piezas, existen otras que se cantan como recitativos con algunas inflexiones (cantillatio): tales son las oraciones, las lecturas, el prefacio y la oración eucarística, el Padre nuestro. Eran piezas que por su sencillez podían ser ejecutadas por el celebrante o por personas que no requerían de especiales habilidades para el canto.

Los cantos del Ordinario de la Misa

El Ordinario está compuesto por textos que se repetian en todas las Misas. Los textos se mantenian invariables. Todos los textos son en latín, excepto el Kyrie, que está en griego.

El Kyrie consiste de la repetición de "Kyrie eleison, Christe eleison, Kyrie eleison" ("Señor ten piedad, Cristo ten piedad, Señor ten piedad"). En la forma extraordinaria, cada parte es repetida tres veces y en misales aún más antiguos, se encuentra "Kyrie eleison imas" (Señor ten piedad de nosotros"). Se distingue el Kyrie por ser el único canto en griego en lugar de latín. Frecuentemente se le canta en un estilo melismático.

El Gloria canta la Gran Doxología. Ambos son largos y frecuentemente el texto es alternado entre partes del coro o entre el coro y la congregación.

Credo:Su título es "Misa del Día de Navidad: Credo". Compuesto en el S.VII en adelante. Su textura es monofónica. Lo canta un solista (oficiante de la ceremonia) y un coro de voces masculinas sin acompañamiento instrumental. El oficiante entona la primera frase "Credo in unum Deum (Creo en un solo Dios)", y el coro continúa desde "Patrem omnipotente (Padre Omnipotente)" hasta el final del Credo. En cuando a los aspectos melódicos, tiene un ámbito estrecho, no tiene saltos melódicos y su estilo es silábico. Tiene un ritmo libre determinado por la palabra. Es una composición modal. En el "Liber Usualis", como todas las composiciones gregorianas, la pieza está escrita en notación cuadrada sobre tetragrama.

Sanctus y Benedictus

Agnus Dei

Ite, missa est

Diferencias entre el ordinario y el propio de la misa

La diferencia básica está en la letra. Los cantos del ordinario siempre tienen la misma letra mientras que en los cantos del propio la letra varía y también puede cambiar la música. Todo esto depende de la fiesta que se celebre y del calendario litúrgico. A partir del S.X se realizan reformas sobre el repertorio del canto gregoriano, tanto cambios que aparecen de forma espontánea como cambios o ajustes que se realizan de una forma totalmente dirigida. Nos encontramos tres manifestaciones: el tropo, la secuencia y el drama litúrgico. Existen 3 clases de tropos: 1. Sólo se añade melodía: en medio del texto se introduce un melisma, por lo tanto, puede modificar la melodía antigua. 2. Sólo se añade el texto: pasa de un canto melismático a otro silábico, pues se le añade el texto (tropo) en el melisma. 3. Se añade texto y melodía: se añade pequeñas cuñas de composiciones nuevas a composiciones antiguas. La secuencia es un tipo especial de tropo. Es un tropo del Alelluia (muy melismático) que con el tiempo se independiza de la pieza original. Se hicieron independientes sobre todo por tener texto y música completa. El drama litúrgico son pequeñas obras de teatro que se realizan en la Iglesia.

Los cantos del Oficio Divino

El Oficio Divino (También conocido Liturgia de las Horas) es la oración litúrgica cotidiana que han de cantar los cristianos, sean religiosos o laicos. En los monasterios, los monjes hacían una pausa en sus labores y se reunían regularmente a determinadas horas (horas canónicas) del día para hacer su oración. Estas oraciones son largamente cantadas, especialmente los himnos al empezar, los antifonarios usados para los salmos, los salmos mismos, y para los antifonarios Marianos. Estos son cuatro canciones (Alma Redemptoris Mater, Ave Regina caelorum, Regina caeli laetare, y Salve Regina) que vienen del siglo XI y son más complejos que la mayoría de los antifonarios de los salmos,

Maitines: plegaria de vigilia.

Laudes: plegaria de la mañana.

Prima: seis de la mañana.

Tercia: nueve de la mañana.

Sexta: doce del mediodía.

Nona: tres de la tarde.

Vísperas: seis de la tarde.

Completas: antes de ir al descanso.

El repertorio de cantos para el oficio divino consta de:

El canto de los salmos

Simples recitativos (cantillatio) de lecturas y oraciones.

Antífonas de invitatorio

Himnos

Antífonas cantadas antes y después de los salmos.

Responsorios

Te Deum

Cantos del antiguo y del nuevo Testamento (Benedictus, Magníficat, Nunc dimittis)

Influencia

El canto gregoriano tuvo gran impacto en el desarrollo de la música occidental, especialmente en la música medieval y del renacimiento. El pentagrama moderno procede directamente de las neumas gregorianas. La notación musical que fue creada por Guido para el canto llano fue adaptada para otros tipos de música y los grupos de neumas fueron designados para representar ritmos musicales. Las notas modernas ya remplazaban los neumas en los siglos XV y XVI, aunque los libros de música sagrada conservan las neumas hasta hoy en día.

AUTORES

Hildegarda de Bingen

Facsimil del códice de Ruperstberg

Santa Hildegarda de Bingen O.S.B. (Alemán: Hildegard von Bingen) (n. 16 de septiembre 1098 en Bermersheim vor der Höhe, junto a Alzey en Rheinhessen, Renania-Palatinado, Alemania; † 17 de septiembre 1179 en el monasterio de Rupertsberg, Bingen, id.) fue abadesa, líder monacal, mística, profetisa, médica, compositora y escritora alemana. Es conocida como la Sibila del Rin y como Profetisa teutónica. El 7 de octubre de 2012 el papa Benedicto XVI le otorgó el título de Doctora de la Iglesia junto a san Juan de Ávila durante la misa de apertura de la XIII Asamblea General Ordinaria del Sínodo de los obispos.^[^]

Considerada por los especialistas actuales como una de las personalidades más fascinantes y multifacéticas del Occidente europeo, se la definió entre las mujeres más influyentes de la Baja Edad Media,^[ entre las figuras más ilustres del monacato femenino y quizá la que mejor ejemplificó el ideal benedictino, ^[dotada de una cultura fuera de lo común, comprometida también en la reforma de la Iglesia,^[ y una de las escritoras de mayor producción de su tiempo.^[

Obras musicales

Lo prolífico de la obra musical de Hildegarda permite establecer la importancia que para la sibila del Rin tuvieron la música y el canto. Tal importancia se puso de manifiesto en la carta escrita a la curia de Maguncia, dictada tras el entredicho interpuesto con ocasión del conflicto derivado de que la abadesa diera sepultura a un hombre supuestamente excomulgado y por el cual se prohibió a su comunidad cantar el salterio y tener misa. de Rupers

En dicha misiva, tras declararse dispuesta a obedecer las medidas impuestas y partiendo de una cita del salmo 150, Hildegarda explica que el canto es una manifestación del espíritu divino en el hombre, que con ello recuerda vagamente la bienaventuranza de Adán en el paraíso, quien participaba de la voz y el canto de los ángeles en alabanza a Dios. Los profetas, a quienes Dios les otorgaba una gracia extraordinaria habían compuesto cantos y creado instrumentos entreviendo el pasado beatífico de la humanidad. De hecho, los instrumentos musicales, al ser tocados con los dedos recordaban a Adán mismo creado por el «dedo de Dios».

La alabanza a Dios dentro de la Iglesia tiene su origen en el Espíritu Santo y es conforme a la armonía celeste:

El cuerpo es verdadero vestido del espíritu, el cual posee una voz viviente, para que de esta manera el cuerpo con el alma, use su voz para cantar las alabanzas de Dios

Si bien emplea la técnica monofónica, el melisma y la notación propias de su época, la música hildegardiana se diferencia por el uso de amplios rangos tonales, que exigen a la cantante o al coro subir a agudos intensos estando en una nota intermedia o baja. Contrae frases melódicas que impulsan a la voz a ser más rápida para luego ralentizarse.

Usa igualmente intervalos de cuarta y quinta, cuando el canto de su época rara vez pasaba de terceras.

La totalidad de las obras musicales de la profetisa teutona fueron creadas para las necesidades litúrgicas de su propia comunidad, así como para la didáctica teológico-moral en el caso del Ordo Virtutum.

Hildegarda compuso setenta y ocho obras musicales, agrupadas en Symphonia armonie celestium revelationum (Sinfonía de la armonía de las revelaciones celestes): 43 antífonas, 18 responsorios, 4 himnos, 7 secuencias, 2 sinfonías (con el significado propio del siglo XII), 1 aleluya, 1 kyrie, 1 pieza libre y 1 oratorio (fascinante, pues el oratorio se inventó en el siglo XVII). Además, compuso un auto sacramental musicalizado llamado Ordo Virtutum ("Orden de las virtudes", en latín), sobre las virtudes

Heinrich von Meissen

Meister Frauenlob

Heinrich Frauenlob, también conocido como Enrique de Meissen (Heinrich von Meissen) fue un poeta alemán nacido entre 1250 y 1260 y fallecido el 29 de noviembre de 1318. Nacido en Meissen, el apodo Frauenlob parece significar alabanza de la mujer o alabanza de la Virgen.

Tenía gran talento musical, y ocupó cargos en la corte de Praga. Fue fundador de la más antigua Escuela en Maguncia durante el primer cuarto del siglo XIV. Alrededor de 1290 escribió Frauenlob Frauenleich, una canción sobre la mujer del Apocalipsis. También escribió Alle mich verlässt Freude, que posteriormente fue adoptado por Záviš von Zap.

Hermann von Reichenau

Hermann vonReichenau (a la derecha) con un Astrolabio - Representación Medieval.

Hermann von Reichenau (n. 18 de julio de 1013 en Altshausen; f. 24 de septiembre de 1054 en Reichenau), el nombre de Hermann aparece también en el alemán vernáculo como Hermann der Lahme y en su variante latina se denomina como Hermannus Contractus (que traducido es el contrahecho o el cojo debido tal vez a algún defecto en su fisonomía), en algunos manuscritos aparece también como Herimannus Augiensis. Hermann fue un autor y cronista medieval de origen alemán dedicado a la composición de música, fue escritor dedicado a diversas ciencias (Astronomía, Geometría, Medicina, etc.), posee obras de poesía. Hermann ha sido tildado de un gran sabio multidisciplinar en su época

Música:

De Musica

De monochordo

Opuscula musica

Hermanni Contracti Musica

Notker Balbulus

Notker Balbulus

Notkerus Balbulus, Notker Balbulus o también Notker de San Gall (ca. 840 - 912) fue un monje de la Abadía de San Galo, poeta y compositor de música. Su nombre Balbulus es un apodo que significa "el Tartamudo".

Es uno de los poetas litúrgicos más importantes de la Edad Media. Introdujo en Alemania un nuevo tipo de lírica religiosa llamada secuencia, innovando en la manera de separar las sílabas latinas para cantarlas (ver canto gregoriano). Además escribió la Gesta Caroli Magni, una crónica sobre los acontecimientos de la Francia de su tiempo que junto con la crónica de Eginardo es fuente inevaluable de datos sobre dicho período. Se le adscriben además muchos otros trabajos, aunque no se tiene certeza de su autoría en todos ellos. En la Edad Media se le atribuía, por ejemplo, el himno Media Vita, de manera errónea. Fue beatificado el año 1512 por Julio II.

Composiciones:

Entre otras una colección de secuencias, de ellas, las conocidas:
Laudes Deo concinat orbi (Que el mundo cante alabanzas al Señor) (año 860), recopiladas en el Liber Ymnorum.
Psallat ecclesia (Que cante la iglesia) de su Sequentia recopilada en el Liber Usualis y Liber Ymnorum.
Sancti Spiritus assis nobis gratia (Que la gracia del Espíritu Santo esté con nosotros) para Cluny.
Natus ante secula para la Navidad

Walther von der Vogelweide

Walther von der Vogelweide nació alrededor de 1170 posiblemente en la actual Baja Austria y murió, probablemente en Wurzburgo, alrededor de 1228. Fue uno de los Minnesänger más famosos. Se le considera el más importante poeta en alemán de la Edad Media.

Minnesinger y Viejo poeta, nacido hacia 1170; muerto en 1228. Solo un documento menciona el nombre del poeta y un suceso poco importante de su vida; en el informa de los gastos de viaje de Wolfger von Ellenbrechtskirchen, obispo de Passau, hay una entrada del 12 de noviembre de 1203 que dice que se regalaron doce sueldos para regalar una chaqueta de piel para el cantante Walther von der Vogelweide. Los únicos datos sobre su lugar de nacimiento están en sus mismos poemas, especialmente en dos en rima imperfecta. Como en otros casos era muy exacto respecto a la rima, este defecto solo se puede explicar por el hecho de que se hicieron en el dialecto bávaro-austriaco. Probablemente, pues, su lugar de nacimiento sea Austria. En una ocasión Walther habla del duque Leopoldo VI como gobernante de su país natal, proclama que aprendió a leer y cantar en Austria y que siempre se siente atraído por Viena. Los tiroleses le reclaman como compatriota y también los Bohemios y ambos han erigido monumentos a su memoria. No es posible ordenar sus canciones en orden cronológico con alguna certeza y por ello no pueden ser interpretados con respecto a la vida del poeta.

Walter von der Vogelweide

Lo único cierto es que Walther desarrolló la caballeresca poesía Minne e introdujo las canciones del amor real en la poesía artística cortesana y ese es su mérito particular como minnesinger. La poesía didáctica de Walther, una forma de arte poético que en general pertenece a los intelectuales itinerantes, tiene el mismo alto nivel que su lírica amorosa. Los gobernantes y el pueblo escuchaban con al misma atención sus intensas palabras de exhortación. Lamentablemente esta era de violentas luchas el poeta volátil se dejaba llevar por sus pasiones. Era particularmente severo contra el papa y frecuentemente injusto con su política. Por otra parte sus apotegmas muestran un animado cuadro de aquellos tumultuosos tiempos de la infeliz lucha sobre la elección imperial. De esta manera, la poesía didáctica de Walther es valiosa tanto para la historia de su tiempo como para la de la civilización.

Compuso algunos apotegmas didácticos que pueden clasificarse como poesía gnómica, que muestra muchos aspectos del carácter del poeta. El Dr. A. Schönbach, biógrafo de Walther u uno de los mejores críticos de la literatura alemana Medio-Alta, dedica una sedición especial de su obra a la “religión de Walther”. Esto era necesario para refutar la concepción protestante y su interpretación de Walther, pero para el intelectual sin prejuicios no es necesaria por ser enteramente evidente El gran juglar no vivió probablemente para ver la Cruzada de Federico II, para la que había escrito un canto tan devoto. Al menos, deja de cantar hacia 1228, Dónde murió y donde fue enterrado es tan desconocido como el lugar de su nacimiento.

Juan del Encina

Juan de Fermoselle, más conocido como Juan del Encina —en la grafía actual de su nombre— o Juan del Enzina —en su propia grafía— (Fermoselle 1468 - León 1529) fue un poeta, músico y autor teatral del Prerrenacimiento español en la época de los Reyes Católicos. Perteneció, junto a Juan de Anchieta entre otros, a la primera época de la llamada escuela polifónica castellana, una de las más importantes de España, y que mejor representa la evolución polifónica en este país, siendo considerado uno de los patriarcas del teatro español

Biografía
Algunos autores sitúan su nacimiento en Fermoselle (Zamora) y otros en alguno de los municipios de la provincia de Salamanca

Se graduó en Leyes en la Universidad de Salamanca, donde tuvo como maestros a Nebrija y quizás a su hermano Diego de Fermoselle, que fue catedrático de música. Se formó musicalmente en la capilla de música de la Catedral de Salamanca que dirigió Fernando de Torrijos entre 1485 y 1498, en donde entró como mozo de coro en 1484 y ascendió a capellán en 1490. A la muerte de Torrijos, Encina aspiró a su puesto de maestro de capilla, pero finalmente acabó recayendo en su amigo, también autor dramático, Lucas Fernández, lo que llevó a Encina a abandonar España y viajar a Italia.

En 1492 entró al servicio del segundo Duque de Alba en cuya corte se encargaría de organizar festejos y escribir comedias y música. En la noche de Navidad de 1492, se representaron por primera vez dos de sus églogas dramáticas, en el castillo de Alba de Tormes. Protegido de don Gutierre, hermano del segundo duque, don Fadrique, vivió en la villa ducal. Tomó posesión por procurador del arcedianato de Málaga.

A partir de 1500 vivió en Roma, donde gozó de la protección de varios papas, entre ellos Alejandro VI, Julio II y León X; este último lo apreció especialmente como cantante y lo tuvo como tal en su capilla. Estuvo viajando de Roma a España varias veces entre 1510 y 1519, hasta asentarse finalmente en León para desempeñar el priorato de la catedral que le concedió el papa en ese último año, en que partió de nuevo, como peregrino, hacia Jerusalén; en el monte Sinaí cantó su primera misa. El viaje está narrado en su Trivagia o Vía sagrada a Hierusalem (Roma, 1521). Murió en León, desempeñando su priorato, en 1529. En 1534 sus restos fueron trasladados a la catedral de Salamanca, donde aún hoy sigue enterrado.

Obra

Como humanista tradujo las Églogas de Virgilio, que sirvieron de inspiración para algunas de sus más célebres églogas dramáticas, en especial las pastoriles, como la Égloga de Plácida y Vitoriano, que se considera su obra maestra; es considerado junto con Lucas Fernández y Gil Vicente uno de los patriarcas o fundadores del teatro español. Escribió una preceptiva o Arte de trovar, y como poeta destacan especialmente sus villancicos y composiciones en la línea de la lírica cancioneril y trovadoresca en arte menor por encima de las marcadas por la influencia de la Escuela alegórico-dantesca (Triunfo de la Fama, dedicado a los Reyes Católicos; Triunfo del Amor, dedicado a don Fadrique de Toledo, muerto en la derrota de Gelves). Se hizo célebre su "Triste España sin ventura", lamento a la muerte del príncipe don Juan, en quien tantas esperanzas habían puesto el pueblo y sus padres, los Reyes Católicos.

Una síntesis de su obra musical.
Ya no quiero tener fe. Villancico
¡Cucü, cucú, cucucú!. Villancico
Ay,triste,que vengo. Villancico

Pedro,bien te quiero Villancico

Pues que tu,Reyna del cielo. Cantata

Tan buen ganadico Villancico.

viernes, 23 de noviembre de 2012

INSTRUMENTOS MUSICALES

Zanfonía o Cinfonía

Instrumento músico de cuerdas que se tocaba haciendo dar vueltas con un manubrio a un cilindro armado de púas.

Violín mecánico en el que el instrumentista cambia las notas presionando teclas de un teclado, y en el que vibran las cuerdas por la fricción de una rueda en resinada, situada en la base del instrumento, que gira movida por un manubrio. La zanfonía común tiene dos cuerdas melódicas que cruzan por debajo del teclado y cuatro bordones a los lados. Apareció en el Occidente europeo hacia el siglo IX y en la música religiosa medieval se utilizaron grandes zanfonías (organistrum) que necesitaban de dos intérpretes. Desde el siglo XVI pasó a manos de juglares y mendigos. El instrumento para un solo ejecutante sobrevivió entre los músicos folclóricos y ambulantes hasta 1900 y ha resurgido en la música folclórica, sobre todo en el Reino Unido, el Languedoc y el norte de España. Estuvo de moda entre la aristocracia en el siglo XVIII especialmente en Francia. El instrumento tiene sus formas propias en la Europa Central y del Este. En España se lo identifica, a veces, con la llamada lira rústica, la gaita zamorana y la viela, entre otros.

En la Edad media, término utilizado para referirse a un periodo de la historia europea que transcurrió desde la desintegración del Imperio romano de Occidente, en el siglo V, hasta el siglo XV. No obstante, las fechas anteriores no han de ser tomadas como referencias fijas: nunca ha existido una brusca ruptura en el desarrollo cultural del continente. Parece que el término lo empleó por vez primera el historiador Flavio Biondo de Forlì, implicó en su origen una parálisis del progreso, considerando que la edad media fue un periodo de estancamiento cultural, ubicado cronológicamente entre la gloria de la antigüedad clásica y el renacimiento. La investigación actual tiende, no obstante, a reconocer este periodo como uno más de los que constituyen la evolución histórica europea, con sus propios procesos críticos y de desarrollo.

Viola de rueda

Viola de rueda, un instrumento cuya abundancia de denominaciones (vihuela de rueda, vihuela de ciego, rabel de rueda, gaita de rueda, zarrabete, música ratonera, sinfonía, cifonía, zanfona, zanfía, zanfoña, zampoña... y el inglés hurdy-gurdy) muestra lo extendido que está y la notable importancia que ha alcanzado a lo largo de su azarosa vida que se extiende desde la Edad Media hasta la actualidad.

Nuez

Desde Portugal hasta Rusia, pasando por España, Italia, Yugoslavia o Polonia, la mayor parte de los países donde han crecido nogales se han servido de su fruto para hacer instrumentos de uso infantil. En una nuez vacía se introducía el cabo de una cuerda a cuyo extremo había una membrana; esa membrana, al tirar de la cuerda, hacía el efecto de una pequeña zambomba o de un tamborcillo de fricción. El tipo de instrumento de que hablamos, sin embargo, hecho con media cáscara y un palillo, ha sido tan popular como el anterior y, en la actualidad, se utiliza como trabajo manual en muchas escuelas, lo que le ha permitido salvarse del olvido.

Cornetto

Instrumento medieval de viento que se uso durante la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco. Tiene forma de tubo y de un tamaño de alrededor de unos 60 centímetros y algunos son ligeramente curvos. Con la recuperación de la música antigua se ha redescubierto el instrumento para la interpretación de mucha música que no es lo mismo si se interpreta con otro instrumento.

El Salterio

Instrumento músico de cuerdas pulsadas (instrumento cordófono); es de forma triangular, como la cítara antigua en forma de triángulo, que se tocaba con un Plectro. Estaba muy en auge en la Edad Media . Como siempre era de pequeñas dimensiones , se le tenía suspendido del cuello ( como se ve en el capitel de Boscherville, del siglo XII), o bien se ponía sobre las rodillas. Es preciso no confundir el salterio con el tympanon. Jerónimo de Moravia(siglo XIII) describió el salterio diciendo que estaba provisto de 24 cuerdas, construido en forma de triángulo ; él le llamó cítara. Pero la antigua cítara tenía 10 cuerdas tendidas de manera que atravesaban un marco triangular, sin fondo, mientras que el salterio tenía una tabla con un orificio debajo de las cuerdas.

J. Cellier ( Recueil de plusieurs singularités, 1585) conocía dos formas de tocar el salterio: una con dos plumas (¿plectros?) y con ambas manos, y son los más imperfectos porque solo pueden hacer dos acordes cuando más.

y la otra , tocarlo con los dedos, pulsando, y son los más perfectos, porque se pueden pulsar tres o cuatro acordes, aunque no son tan perfectamente fundidos como en la ESPINETA. Abandonado en otros países a partir del siglo XVI, solo figura a título de curiosidad histórica en las obras de Virdung y de Luscinio.

El monocordio

Como su nombre lo dice constaba solamente de una sola cuerda que dependiendo de su longitud daba las diferentes notas. Es un instrumento de cuerda punteada o frotada que lo constituye una caja rectangular. Paulus Paulirinus es su Tractatus de música describe el monocordio:

Es un instrumento largo en forma de flauta larga Interiormente cóncava con aberturas. dividida en nueve partes gravadas con nueve letras del alfabeto, de arriba abajo sobre las divisiones tiene una única cuerda de nervio, cuando se la percute con una pluma o madera y la parte anterior con la mano izquierda según las reglas del arte, permite ejecutar todas las melodías iventadas.

En sus intervenciones históricas el monocordio fué utilizado por Pitágoras y en la enseñanzas musicales de Guido D´ Arezzo.

Durante la Edad Media se conocían tres tipos de monocordio:

Monocordio tono métrico. Una caja rectangular de madera, con una sola cuerda. Una clavija permitía alargar o acortar la cuerda, según los correspondientes intervalos armónicos, grabados en la caja. La cuerda se tañe con un plectro o con los dedos. Pitágoras, filósofo y matemático interpretó música definiendo los intervalos musicales en términos matemáticos. Actualmente la música está basada en este sistema. Pitágoras creó el primer sistema de anotación musical.

El monocordio de arco. Es una variación del monocordio tono métrico, la caja es en forma triangular o trapezoidal, y consta de una o dos cuerdas, que se hacían sonar con un arco. En un retablo de piedra de la iglesia de Farfanya (Lérida), se encuentra la única representación conocida de este instrumento.

La edad media y los instrumentos musicales

A raíz de una pequeña discusión generada con una persona ajena al grupo, pero aparentemente muy versada en la música de este periodo histórico que nos ocupa, quería hacer este comentario.

Cuando empezamos a construir algunos instrumentos, debido a que no teníamos un cobre para comprarlos ( y seguimos sin tenerlo), comenzamos a hacerlo de forma muy intuitiva, ya que no somos lutieres.

Como es lógico la manufactura de nuestros instrumentos es muy rustica y con ciertas imperfecciones (sigo pensando que hace 900 años la construcción de algunos instrumentos comunes en la música popular no debe haber sido muy pulcra).

Hace unos años, debido a algunas dudas sobre la forma, tamaño, cantidad de cuerdas, afinaciones, y muchas más, me conecte con un lutier, que me dio algunas pautas.

Este señor, que para mí por lo menos es un groso en lo suyo, me explico que salvo algunos instrumentos que se mantuvieron en uso hasta nuestros días, en algunas zonas de Europa y medio oriente, la mayoría de los que no se siguieron usando, son conocidos solo atreves de la iconografía y de grabados de la época.

Debido a que en el Medioevo los dibujos carecían casi de perspectiva, profundidad y no era tan detallista con la pintura del renacimiento, los instrumentos se ven generalmente de frente, muchas veces no se distingue la cantidad de cuerdas y además, ¿cómo saber si se afinaba de tal o cual manera si todavía no existía lo temperado?

Después de darme un montón de datos valiosos para nosotros, este maestro concluía sus consejos, rematando el mail diciéndome que muchos instrumentos musicales no se conocía si el fondo era plano o “panzudo” y a veces la cantidad de cuerdas e incluso el tamaño era dudoso, entonces el consejo fue…..”Algunas cosas quedan libradas a la imaginación del lutier, inventa”.

Esto nos hizo pensar que muchos criterios de algunos académicos son erróneos debido a que son muy poco flexibles, creo que lo mismo ocurre con los estilos musicales de aquellos tiempos, recordemos que las “partituras” de la edad media no indicaban velocidad, ni dinámica, ni cuantos o cuales instrumentos se utilizaban y por supuesto tampoco la tonalidad, ya que era música modal, además la llamada música ficta (ficticia, falsa) se caracterizaba por modificar estos modos “a piaccere”, es decir que la gente común se basaba más en su gusto que en las teorías de los libros (libros en realidad de autores actuales que estudian estos academicistas que no se dan cuenta que la música no tiene límites).

No se si es correcto o no, pero nosotros tratamos de no hacer música medieval, del modo que la hicieron cierta gente que quiso ponerle traje y moñito y hacerla aparecer como algo elitista, quitándole la frescura y espontaneidad que debería tener, entonces muchas personas piensan que es algo aburrido o tal vez difícil de comprender, siendo que en realidad es música muy simple y agradable.

Respecto a eso de que no tenemos un cobre, es verdad, pero somos unos tarados y estamos contentos de todos modos y creo que eso se ve en nuestra música.

El Organistrum

Pertenece a la familia de los Cordófonos Frotados, era un instrumento medieval que se utilizaba para acompañar la música sacra.

Tenía una caja de resonancia, un teclado y una rueda que al girar por la acción de una manivela producía un sonido continuo. Debido a su complejidad mecánica y también para su ejecución se le considera un instrumento culto. Dejo de usarse a partir del S.XII cuando surgen los órganos de tubos.

Asier de Benito

Construyo un modelo de sinfonía basado en la miniatura nº 160 de las Cantigas de Sta. María de Alfonso X “El Sabio”. Tiene una configuración de 2 cuerdas melódicas y 2 bordones, pudiéndose uno de ellos sustituir por una “trompeta” que, si bien no es una característica histórica (el “perro” se introdujo en la zanfona durante el S. XV), aumenta considerablemente las opciones del instrumento. Esto, sumado al teclado cromático, la convierte en un instrumento con una versatilidad que sobrepasa los requisitos de la música medieval.

Flauta Dulce

El origen de la flauta se remonta a los silbatos de caña utilizados en la música popular desde la antigüedad. Estas flautillas fueron perfeccionándose hasta conseguirse, durante la Edad Media (siglos XIII-XIV-XV) los primeros instrumentos que responden a lo que hoy en día llamamos flauta dulce.

La flauta más antigua se encontró en la localidad holandesa de Dordrecht en el foso del castillo de Merwede (Holanda) y es conocida como la “flauta de Dordrecht”. Los expertos aproximan si antigüedad en unos 600 años (fue construida quizás durante el siglo XIV). A continuación observarás imágenes de flautas dulces muy antiguas, que hoy son piezas de museo.

La Flauta Dulce o Flauta de Pico fue muy popular desde la Edad Media transformándose en un instrumento esencial durante el Renacimiento alcanzado su máxima importancia durante el periodo Barroco, pero a fines de este se vio reemplazada por el avance en la construcción de instrumentos más potentes y con mayor manipulación interpretativa. El uso del instrumento declinó definitivamente después del siglo XVIII.

Hoy en día la Flauta Dulce se fabrica con resina termoplástica ABS o baquelita , aunque los intérpretes profesionales prefieren los de madera.

Está muy generalizado su uso en el mundo escolar, ya que es un instrumento con una técnica de inicio relativamente sencilla, aunque para tocarla con maestría es necesario mucho estudio, como con cualquier otro instrumento.

El Rabel

El rabel, rebec o rebab es un instrumento musical de cuerda frotada. Se conocen grabados, ilustraciones y referencias al rabel desde la Edad Media, aunque su origen es más remoto. Tradicionalmente se suele asociar este tipo de instrumentos de cuerda frotada con el legado árabe, y, si bien hay muchas similitudes y coincidencias, también existe una discusión llena de matices sobre este hecho (la forma de tañerlo sobre las piernas o sobre el pecho, su construcción etc.). Lo cierto es que el Rabāb, el instrumento de cuerda frotada del mundo islámico, fue introducido en Occidente, merced a la conquista de la península ibérica. Su forma es similar al laúd pero más pequeño. Su número de cuerdas variaba hasta un máximo de cinco.

Reproducción: RABEL TRADICIONAL. Rabel tradicional de dos cuerdas de freno de bicicleta (al estilo tradicional), construido en madera de pino Val saín, envejecida para darle un toque más rústico y tradicional, con cordal de cuero.
Medidas (cm.): 60 de largo

Reproducción: RABEL MEDIEVAL. Rabel de cedro brasileño, clavijas en ébano, palosanto, palor rosa o boj envejecido, cordal en nogal negro americano, puente de arce, adhesivos naturales, acabados al aceite de almendras o lacados, arco compensado, alma y barra armónica, tres cuerdas de violín, micro afinadores en el cordal con lo que se facilita al máximo la afinación y se disminuye el riesgo de romper cuerdas al afinarlo.